Le premier hvop Light hosté par Jun et Jay, une nouvelle formule pour plus de contenu, mais condensé. Sujets du jour : l’expérience Facebook Dating dont nous avons déjà parlé ici, une découverte tik tok, et un petit retour sur l’inévitable jujutsu kaisen. Une ambiance plus détente, plus chill ! Faites-vous plaisir et écoutez ça !

Nouvelle semaine, nouveau podcast ! 

Host : Cless, Jun, Pook, Jay et Chris. 

Sujet du jour : Bronx, le film d’Olivier Marchal. L’équipe s’attaque au film distribué par Netflix. On parle cinéma, mais on parle aussi d’Armand!

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Notre podcast précédent ici !

Après le post de Jun, nous nous sommes dit qu’un podcast spécial Jujutsu Kaisen s’imposait ! La review de ce début saison signée The Kyu est là !

0:00 • Intro
0:49 • Synopsis
5:22 • Comparaison aux autres shonen
9:25 • L’animation
12:00 • Parenthèse Fire Force
14:20 • Production
16:08 • Personnages
21:17 • Parenthèse The promised neverland
24:17 • Un bon anime c’est quoi ?
26:00 • Adaptation live ?
27:38 • Les notes
30:38 • discussion sur l’animation (roue libre)
35:56 • L’ending
38:40 • Conclusion
39:23 • Extra time : Le jump …etc

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Blood of Zeus, initialement Gods & Heroes, est la dernière série animée de Netflix, par l’équipe qui nous avait sorti l’excellent Castlevania. Sortie le 27 octobre 2020, le cartoon estampillé Netflix Original Anime Series se décline en 8 épisodes de 25-37 minutes.

Héron vit avec sa mère dans un village reculé. Son chemin va un jour croiser celui d’Alexia, une guerrière à la poursuite de démon. Voulant remplir sa mission consistant à protéger le peuple, elle va entraîner le jeune homme dans une lutte qui implique les dieux de l’Olympe, mais aussi les Titans.

La série est acclamée aux USA et prend une note rotten tomatoes de 8,56/10. La critique salue cette vision épique de la mythologie grecque, le travail au niveau de l’image et un doublage considéré de qualité.

On vous laisse le podcast avec @junoh, @chrisalc, le Pook et @Jay :

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Mais aussi sur Soundcloud

N’hésitez pas à donner votre avis sur Blood of Zeus !

PS : C’est le premier, les suivants seront encore meilleurs !

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Si je dois regretter une chose pour les jeunes générations, c’est de ne pas avoir connu l’Eldorado de la musique dans le monde du gaming. Je pense rester objectif en disant que le niveau n’est plus le même. On parle ici de musique IRL incorporée au gaming et non des musiques d’ambiance sonore. La dernière réelle hype que j’ai ressentie dans ma vie de gamer (musicalement, je parle) c’était sur Need For Speed (2015), et un coup de couteau incroyable de EA games. Je n’oublierai jamais. La blessure me lance encore parfois les soirs d’hiver. Je vous explique, mais les vrais savent. Le trailer ci-dessous était le premier aperçu du (soi-disant) renouveau de la célèbre franchise. Un retour à la gloire d’antan. Un retour à Need For Speed Underground.

Bref, vous sentez la hype ? Ce côté street couplé à Night Riders de Major Lazer ? Tant de promesses. Il était évident que c’était un piège. Mais de bonne facture. Jour de la sortie, j’ai craqué. J’ai donné mon argent. J’ai démarré le jeu. Major Lazer est revenu me hyper trente secondes (le petit coup de vaseline) puis l’obscurité. De l’électro en pagaille. Pas de banger, rien. Je me revois essayer désespérément de trouver Night Riders, avant de lire sur internet que la chanson n’était pas in game… Trahison qui n’aurait jamais eu lieu avant 2010.

Les précurseurs

Si les jeux apparaissent dans mon esprit teintés de nostalgie, je ne suis pas le seul à qui cela fait cet effet. En même temps, entendre Tony Hawk Pro Skater, Dave Mirra Freestyle BMX, GTA San andreas, difficile qu’il en soit autrement. La meilleure introduction de FIFA est tout de même celle du 98. Jamais égalée. Bon, celle du Monde des bleus n’était pas mal non plus, pardonnez mon chauvinisme !

Cependant, on doit rendre hommage au véritable jeu des playlists du bon son, j’ai nommé : Tony Hawk Pro Skater ! La première franchise a vraiment démocratiser l’idée de set in game. Alors sur le premier opus effectivement, la quantité n’est pas folle, mais il faut comprendre que pour l’époque c’est incroyable. La bande-son contribuait complètement à instaurer cette ambiance street punk/rock/hip-hop liée à la planche à roulettes. Bien sûr, d’autres jeux suivent. L’homme du Indy 900 s’impose comme étant l’expérience référence du skateboard dans le gaming sous la bannière de l’éditeur Activision. Dave Mirra suit très vite avec son Freestyle BMX. Bien plus tard, Shawn White sur PS2 aura son jeu Snowboarding. Le Wu Tang Clan sur la PlayStation première du nom sort son Shaolin Style. De la baston sure de l’instru sauce Wu Tang.

L’année de l’underground

2003 est une année de surprise. Def Jam Vendetta s’impose aisément. En même temps, se battre en tant que rappeur US pour la street cred, aucune chance de flirter avec l’échec, surtout à cette époque. Mais la véritable révolution arrive un peu plus tard cette année-là. D’abord un 27 octobre avec la sortie de l’excellent Tony Hawk Underground. Puis un 17 novembre, très exactement. La franchise Need For Speed peine un peu à revenir depuis quelques années quand la bombe est droppée. De quoi faire revenir NFS au statut référence du jeu de voiture mainstream sur console. Need For Speed Underground, avec probablement l’arrivée dans le main menu la plus aimée de l’histoire.

Les ondes FM de Grand Theft Auto

Mais si l’on parle de ces jeux cultes, on ne peut pas passer à côté d’un monstre du genre. GTA. Je pourrais parler de ceux d’avant, mais mon focus est sur San Andreas (oui, choix personnel motivé par le cœur). Le jeu sur le retour de Carl Johnson à Los Santos offre une expérience inédite, composée de pas moins de 11 radios différentes, plus une custom si l’on était sur Xbox ou PC. Des playlists allant du Sound System, au rap, en passant par de la country, du rock ou encore de la pop. Certains noms de ses stations sont rentrés dans l’histoire. C’est le cas pour K-Jah West, K-Rose, Radio:X mais surtout Los Santos Radio ! Chacune d’entre elles comptait un peu plus d’une dizaine de tracks, sauf bien sûr West Coast Talk Radio qui tenait rôle de radio talkshow.

Mais la grande force de San Andreas, c’était la cohérence des vibes de ses tracklists. La musique y était liée à l’époque qui racontait le jeu. La chanson la plus récente du jeu doit d’ailleurs dater de 1992. Avec côté hip-hop, une majorité de gangsta rap. Du Snoop, du Ice Cube, mais aussi des sons de la côte Est avec du Kool G Rap ou du Public Enemy. Bien sûr, GTA, avec ce standard ne pouvait plus réellement commettre d’impair. Surtout après, avec la digitalisation et la possibilité de mettre les playlists à jour à coup d’updates. Cela n’a pourtant pas été le cas du côté des brûleurs d’asphalte de NFS.

Le déclin NFS

Si à la suite d’Underground, Underground 2 et Most Wanted sont acclamés comme des grands succès par le public, la reconnaissance s’arrête là. EA n’a plus jamais été capable de produire un véritable jeu de qualité à hauteur de ses trois premiers opus orientés street racing. Jusqu’à l’incident de 2015. L’espoir. Mais l’espoir brisé par ce retour à la réalité. Les mauvais choix. NFS (2015) n’est pas un mauvais jeu. C’est peut-être l’un des moins pires en réalité. Mais les manquements au niveau de la recette du succès de Nfsu2 et MW, additionnés au mensonge assumé de la bande-son font que c’est un raté. Il paraît que le dernier n’est pas trop mauvais. Mais je ne saurai jamais.

Le basketball et la musique

Un autre monstre de la performance musicale que l’on ne peut occulter. NBA 2K. La référence en matière de balle orange peut se vanter de proposer chaque année des playlists variées, mais solides. En général, limitées au hip-hop et au rock, elles vont quand même du mainstream à de l’indé ou du moins connu. C’est ainsi que l’on a pu écouter du Travis Scott et du Mister V à la suite par exemple. La simulation de basketball optimise au maximum son expérience sonore. Logique quand on sait à quel point le sport est un show outre-Manche.

En 2015, Pharrell Williams était aux commandes de la sélection, par exemple. Pourtant, 2K5 revient de temps en temps lorsque l’on parle de la all time tracklist 2K. Et les 10, 11 et 12 sont largement favoris avec en seul vrai concurrent le 17 (mais qui est aussi considéré comme l’un des meilleurs de la franchise, si ce n’est le meilleur).

L’idée de faire un lien de cause à effet entre la prétendue régression du niveau musicale de notre époque et la difficulté à faire d’aussi bonnes playlists que par le passé dans le jeu vidéo est tentante, mais il est important de se rappeler que ce n’est peut-être ni mieux, ni moins bon, mais juste différent. Allez, je vous laisse avec cette perle. Vous avez le droit de demander des réponses à Adidas, parce que 22 ans plus tard, du côté de The Kyu, on ne comprend toujours pas.

Mention spéciale pour ceux qui sauront de quels jeux sont tirés les titres de la playlist ! On a essayé de ne pas faire de doublon avec la précédente !

Vous vous rappelez des années 2000 ? Pour la génération 90, cette période est un souvenir doré impérissable. L’époque de nos icônes. Très subjectivement, la dernière véritable époque créative musicalement parlant. Alors que le rap vit sa montée en puissance, les autres styles ne sont pas en reste. Un en particulier voit son influence croître grandement. Le rock. Et lorsque deux superpuissances se rencontrent, elles ont plusieurs options. Gentiment se partager le territoire. Se faire la guerre pour obtenir le monopole, ou s’associer. Aujourd’hui, c’est à cette dernière alternative que nous allons nous intéresser. Le rap rock et ses sous-genres.

Mais le rap rock, ça existait déjà, non ?

Alors oui, il est vrai que certains groupes avaient déjà brillé. Rage against the machine, formé en 1991 à LA est l’une des cylindrées qui culmine dans l’histoire de la fusion. RATM est catégorisé dans le rap metal, rap rock, funk metal et nu metal, mais aussi dans le hard rock. Une versatilité leur ayant permis de se hisser au sommet et d’ouvrir la voie à une multitude d’artistes de la période post bug (de l’an 2000, je précise pour les gosses).

Mais avant ça, les précurseurs avaient été Run-DMC, les Red Hot et les Beastie Boys (pour beaucoup, ces noms n’évoquent rien… et c’est terrible). Bien sûr, ils n’étaient pas les seuls, mais ils sont considérés aujourd’hui comme les parents de cette famille depuis l’éclosion de la fameuse année 84. Run-D avec son « Rock Box » rythmé par un riff de guitare furieux d’Eddie Martinez et les BB avec « Rock Hard », comportant un sample non autorisé de Back in black de AC/DC.

Puis viennent les années 90 de RATM, mais aussi de Korn (très cher à mon cœur). Korn, c’est l’emblème du Nu metal. L’agressivité et l’excentricité du metal, porté par un Jonathan Davis en survêt Adidas. Il y a d’ailleurs une chanson du nom de la célèbre marque de monsieur Dassler, mais dont l’acronyme, dans les lyrics, devient « All Day, I Dream About Sex ». C’est aussi l’arrivée de POD (Payable on death), dans un genre particulier. Le rap metal chrétien (oui, vous avez bien lu, mais c’est les latinos, ils ont la special connection avec la haut). Disturbed, Slipknot, Deftones, Cypress hill et plein d’autres.

La nouvelle scène 2000

Si l’on doit citer l’un des groupes les plus emblématiques du genre, on ne peut faire l’impasse sur Linkin Park (repose en paix Chester). Pour ma génération, LP c’est l’émotion. Le souvenir d’avoir chanté Numb dans nos chambres, dans les bus en direction de l’école. Passer des jours à rabâcher le fait qu’Hybrid theory soit un masterpiece. Pour vous dire, on se tuait aux AMV Naruto.

 Mais c’est aussi l’emblématique collaboration avec Mr Carter Jay-Z donnant naissance à l’EP Collision course, le mariage entre certains des plus grands succès de LP et du mari de Beyoncé.

Légèrement plus vieux, mais sévissant pendant le même temps, Limp Bizkit entraîné par son chanteur/rappeur Fred Durst. Orienté plus rap rock que LP, le biscuit boiteux a réussi pendant près de 10 ans à s’imposer, avec notamment des classiques incontournables pour les amateurs de gros son. Le titre « Rollin’ » devenant le titantron de The Undertaker pendant toute sa phase biker dans la WWF, puis la WWE à la perte des droits de l’appellation de la plus grande fédération de catch américain (ou simplement du monde). Pour les plus connaisseurs Nookie, Take a look around (mission impossible) et les plus mainstream, la balade Behind blue eyes reprise du chef-d’œuvre de the Who.

Chauvinisme oblige, on se doit de mentionner aussi Pleymo, le groupe français de Nu metal par excellence et labélisé rap metal de surcroît. « Pleymobill » domine la scène française de 99 à 2006 avant la fin du groupe. Rien de plus à dire. C’est la scène française, et elle n’était pas très bien considérée à l’époque.

Grâce à Linkin Park et POD, le rap rock/rap metal brille pendant toutes les années 2000, mais porté plus que par les deux derniers vrais groupes à succès, la flamme s’éteint peu à peu, pour disparaître vers 2010. S’il est possible de penser que ce mouvement fut éphémère, il n’en est rien en réalité. Il aura tout de même perduré sur une trentaine d’années, se forgeant à base de bands maintenant mythiques. Cet article n’a d’ailleurs vocation qu’à susciter la nostalgie d’un fossile complètement oublié de nos jours. Il ne s’adresse pas uniquement à la génération Kyuju, même si j’ai conscience que les plus jeunes pourront ne pas comprendre.

Je vous ai concocté la playlist la plus longue de The Kyu à ce jour. Mais c’est normal, nostalgie oblige. Je baignais dans cette ambiance, et j’aurais clairement pu faire encore plus long ! Enjoy !

Djiguito : The Serial drawer

Djiguito fait partie de ces artistes qui suscitent le wow effect. Le genre qui produit en quantité astronomique (sérieux, c’est limite industriel), le genre qui nous entraîne dans un univers totalement déjanté tout en gardant un trait sûr. Pour notre plus grand plaisir.

C’est à l’occasion de la sortie de son nouveau one shot AKIMBO avec lequel il participe au Tezuka/Jump 2020 (qui est international cette année) qu’il a répondu à nos questions.

Peux-tu te présenter ? Qui est Djiguito ? [Tes projets (passé) ton parcours]

Djiguito, je suis illustrateur, artiste mangaka en parallèle je donne des cours de dessin dans un centre socioculturel.

Je dessine depuis tout petit en autodidacte. Aujourd’hui, je travaille sur plusieurs projets en free-lance. Je bosse en tant que dessinateur sur le comics Dirtycosmos avec Le Chef Otaku YouTuber boss du manga game. On a sorti 3 volumes en indépendant, le prochain est en cours.

J’ai sorti en 2019 un manga Mary Kimpride un oneshot dans l’univers western et dernièrement j’ai décidé de participer au prix Tezuka 2020 avec un tout nouveau projet pilote A.k.i.m.b.o qui met en scène une tribu de natifs américains accro aux nouvelles technologies.

Le concours international Tezuka/Jump 2020 qu’est-ce donc ? Ton ressenti, tes attentes ?

Le concours Tezuka c’est un concours japonais organisé par la shueisha et Tezuka productions qui a pour but de publier le meilleur manga. Pour fêter la 100e édition, il s’ouvre à l’international. Du coup, c’était l’occasion pour moi de me mesurer aux plus grands avec un jury prestigieux (oda, Toriyama, Inoue, Horikoshi…)
Niveau ressenti, je suis ultra confiant, j’ai bien bossé mon projet pendant plusieurs mois
Niveau attentes, je n’en ai pas spécialement, j’espère juste aller le plus loin possible. Le reste c’est du bonus.

Beaucoup d’artistes manga font des histoires indépendantes, alors que l’on peut voir un lien entre Mary Kimpride et Akimbo. Peux-tu nous parler un peu de cette volonté de créer un univers étendu ?

C’est un kiff de vouloir raconter plusieurs histoires différentes dans un même univers. Je suis fan de ce genre de ce processus.
Le Marvel Cinematic Universe, Starwars, One piece… c’est d’une richesse incroyable avec plein de thèmes différents.
Du coup, je me suis dit pourquoi pas moi.

À la lecture d’Akimbo, certaines choses sautent aux yeux. Peut-on parler d’œuvre engagée ?

Engagée ? Non, ça ne se veut pas militant, juste un constat de ce qui m’entoure. La vitesse de la circulation de l’information via les réseaux, les médias, les conflits entre communautés, toutes ces choses que j’observe. Je voulais mettre en lumière tout ça avec la réalité du terrain qu’on suit à travers les yeux de Nancy, la véritable héroïne de mon manga.

En plus de raconter une belle histoire, quel est le message que tu souhaiterais faire passer ?

Y’a plusieurs messages cachés dans A.K.I.M.B.O, comme la différence entre la réalité des réseaux et la réalité du terrain. L’impact et la responsabilité d’une œuvre ou d’un artiste au sein d’une société, d’une communauté.

Combien de temps a duré le projet Akimbo ?

A.K.I.M.B.O est un projet manga que je bosse en filigrane depuis un an en même temps que la réalisation de mes différents travaux. J’ai dessiné le projet en 4 mois pendant le confinement et tout l’été.

Qui sont tes mangakas préférés ? Et leur empreinte se ressent-elle vraiment sur ton travail ?

J’en ai plein !! Après liés à Akimbo, je me suis inspiré de Takei (Shaman king) Tetsuya endo (spy x family) Uderzo (Astérix) et Peyo (les Stroumpfs) pour le côté visuel dans la gestion d’une communauté.
Pendant que je dessinais mes pages de baston, j’écoutais du Pop Smoke et du k-rap pour me conditionner dans la violence des combats.

On est sur de la qualité de page professionnelle, quels conseils donnerais-tu aux jeunes dessinateurs souhaitant se lancer ?

Travailler vos bases en dessin, lire et étudier beaucoup de bds/comics/webtoon pour savoir comment marche la narration.
Travailler comme un acharné avec rigueur et discipline ses planches de bd y’a pas de secret.

Si vous n’avez pas encore lu le one shot c’est par ici que ça se passe !

Pour ma part, j’ai adoré lire ce projet et j’espère avoir [win ou non] la suite des aventures de ce personnage que je trouve iconique dans sa construction et son design. Je m’y suis d’ailleurs essayé.

https://twitter.com/Djigui/status/1173866357772832768?s=20

Ceci est un vision urbaine assez particulier.

2020, c’est ce genre d’année durant laquelle on s’est retrouvé séquestré chez nous plusieurs mois. Cette année qui voit beaucoup de luttes, certaines pour le meilleur comme « Black Live Matter » ou la mise en lumière du cas des Ouïghours, on espère que cela va aussi relancer le sujet des minerais de sang d’Afrique et notamment du Congo. Mais c’est aussi beaucoup de drames comme l’explosion de Beyrouth. Nous affichons d’ailleurs notre soutien dans l’espoir d’un mon meilleur.

Si j’écris ce texte c’est pour rendre hommage. 2020 c’est l’année de la perte du Black Mamba et du Black Panther. C’est objectivement une année terrible.

Chadwick Boseman s’est éteint ce 28 août à l’âge de 43 ans des suites d’un cancer qu’il a combattu depuis son diagnostic en 2016. Marvel perd l’un de ses plus grands héros du MCU, la communauté noire perd son King T’Challa, le personnage qui a rouvert l’idée d’une véritable dignité, de la « black royalty ». Le monde perd un acteur de talent, un militant engagé, un Homme avec un grand H. Une personne qui connaissant sa condition a enchaîné les heures de travail pour réaliser bien plus que sa part de lutte. Un héros on and off screen. En quatre ans, c’est Gods of Egypt, Message from the King, Captain America : Civil War, Marshall, Black Panther, Avengers : Infinity War et Endgame, 21 Bridges, Da 5 bloods, Ma Rainey’s Black Bottom. Il devait potentiellement donner vie à Yasuke (a.k.a le premier samouraï noir) à l’écran.

C’est à travers des performances justes qu’il a su conquérir un large public. Et qu’on se le dise, incarner le roi T’Challa n’était pas une mince affaire. Néanmoins, avec brio, il est allé jusqu’à le transcender, faire de ce superhéros noir un vecteur d’espoir pour une communauté orpheline de vrai symbole d’identification du genre dans le paysage cinématographique hollywoodien.

Il y a eu des héros noirs. Mais le Black Panther représente bien plus. La fierté et la mise en lumière de cultures de Motherland (bon à la sauce kainry of course, mais c’est une première étape). Là où avant, tout un peuple devait s’identifier à Captain America, Iron Man, Superman, ou Batman, les plus jeunes ont la possibilité de regarder le roi T’Challa. Au-delà de donner cette force à la communauté afro-caribéenne, cette prestation ouvre la porte vers de nouvelles possibilités inspirantes, comme Kamala Khan, de son nom d’Avengers Ms. Marvel. La première héroïne musulmane à obtenir son propre Comic book, par exemple.   

Chadwick est devenu un symbole. À coup de discours poignant et pertinent, comme son hommage à Denzel Washington.

Mais aussi son « Commencement speech » pour la Howard University en 2018.

Je repense avec ironie que quelques heures avant les annonces, avec Jvnoh, nous faisions des blagues avec le Wakanda Accent. 2020 est une année perfide. J’ai mal de savoir que lorsque tu as affiché ta perte de poids drastique sur les réseaux, les commentaires ont dû être désactivés à cause de la quantité de moqueries que l’on pouvait y lire. Se dire que tu recevais tout ça en sachant où tu allais, après tout ce que tu avais fait. Quelque part, on en revient à cette logique : « On ne connaît la valeur d’une personne que lorsqu’on la perd ». Et nous avons perdu un très grand.

Si aujourd’hui des gens ne comprennent pas le fait que l’on fasse autant d’hommages et d’éloges pour cet homme, c’est qu’ils ne comprennent pas l’ampleur du labeur accompli, l’ampleur du sacrifice, l’ampleur de l’impact. Tu as su redonner son amour propre à ta communauté. Lui montrer de nouveau que la royauté était une voie. Là où d’autres ne regardent que les personnages fictifs, nous voyons l’homme, nous voyons le roi.

Ton travail ne sera pas oublié.
Longue vie à la panthère noire.
Long live the King.

Merci Chadwick Aaron Boseman.

Dans le numéro précédent, nous analysions le rap des années 90/2000. Époque des classiques, des revendications et la poésie urbaine. Il est temps de s’attaquer maintenant à la partie corsée de la comparaison. Le rap actuel.

État des lieux. Rares sont les rappeurs d’antan encore réellement présents sur cette scène. On pourrait les compter, mais on va se contenter d’en citer quelques-uns. Le Duc, obviously. Disiz, Kery… Et c’est à peu près tout (on parle du devant de la scène, les rappeurs que les moins de vingt ans peuvent connaître). Globalement, le domaine est en constant turnover. Certains quittent le rap game pour rentrer dans la variété. D’autres n’ont pas réellement le talent pour faire carrière longue. Remarque : Certains n’ont pas le talent, mais s’imposent tout de même. Qui suis-je pour juger ? Zéro mixtape à mon actif, je sais !

Si l’on revient sur l’allégation « Le rap c’était mieux avant », il faut comprendre ce qui déçoit tant aujourd’hui.
Certains éléments sont évidents.
La musicalité ! Il y a quelques années, un mouvement a connu un essor retentissant, notamment grâce à nos camarades kainris. La trap. Oui, vous savez le style soirée grosses bouteilles payées par des mecs sapés dans des collections Versace criardes ! Le rap caviar !
Portée par des Migos, ou encore Future. Le principe était simple. Un banger lourdement drivé par une bassline bien épaisse. Et par-dessus, un mode repeat inlassable. Souvent, un nom de marque de vêtements pas peu onéreux. Exemple Petit Bateau.
Le courant fait son bout de chemin jusqu’au vieux continent, et creuse son trou chez nous sans pression. À partir de là forcément, beaucoup moins d’envolées lyriques, cela va sans dire.

Un contexte qui change

Le discours aussi a changé ! Avec le succès du rap durant ces vingt dernières années, les gens qui chantaient leur pauvreté ont fini par devenir riches. Le rap bling bling fait son entrée. Les clips ne deviennent plus qu’étalage de l’opulence. Gros gamos par-ci, liasses de billets par-là. Tout ça dans des grosses villas vue sur la mer. Alors la jeunesse suit. Parce que l’on reproduit ce que l’on voit. Parce que l’on s’inspire de ce qui est déjà là. Le style fait fureur. Malgré une évidente dissonance entre les images et le mode de vie de ceux qui les regardent. Avant, on se sentait proche d’un discours venu d’en bas. Maintenant, c’est le rêve de cette vie de luxe qui peuple les nuits des classes plus précaires. La dolce vita ! Chemise à fleurs ouverte, lunettes de soleil, piscine et palmiers contre survêt bitume.
Les plus vieux sont réfractaires. Pour eux, ce rap n’a pas de valeurs. Ce rap ment. Heureusement, certaines pointures restent fidèles à leurs belles heures. Du coup, il y en a toujours pour tous les goûts ! Merci Kery.

La street cred, la fin d’une époque

Pourtant, comme pour tout, on pourrait simplement se dire que le rap évolue avec son temps. Mais un dernier point vient ternir ce beau tableau de Darwin du mouvement musical urbain. La dimension « pour nous, par nous » semble s’estomper, et pour beaucoup, c’est le coup de trop. La démocratisation du rap, c’est l’ouverture au grand public. En touchant plus de monde, on inspire plus de monde. Si les rappeurs des nineties pouvaient se targuer d’avoir une street cred béton, ce n’est plus forcément un coefficient élevé pour l’exam d’entrée. Pour les réfractaires susmentionnés, on ose parler d’appropriation culturelle.

Aucun de ces critères ne vise pourtant le talent. Néanmoins, si l’on devait parler d’une baisse à ce niveau-là, il faudrait accepter l’idée que ce ne soit ni vrai ni faux. L’arrivée de styles plus musicaux et plus dansants est l’un des vecteurs de cette idée de perte qualité. Moins axé sur le côté lyrique, ce rap déçoit les habitués de la plume tranchante. Pour autant, les lyricistes ne sont pas morts. Ils sont juste plus dilués dans un éventail plus large d’artistes.

Voilà, c’est tout pour cette analyse ! N’hésitez pas à nous dire si vous êtes d’accord ou non dans les commentaires. Et n’oubliez pas ! L’art est notre cadeau pour les générations futures ! Peace!

PS : Un petit cadeau de marque se cache dans cette playlist !

L’un des grands débats de notre époque. Porté par un clash des générations. La difficulté pour les plus jeunes de se faire comprendre par leurs aînés. Pour les plus vieux, le discours est simple. C’était mieux avant. Et on applique cet adage à tous les domaines. Grossière erreur. Si l’on prend le cinéma ou la japanimation par exemple, on peut constater que bien que des œuvres aient été sacralisées par le passé, de nouvelles y parviennent aussi. L’avancée dans le temps vectrice de nouvelles possibilités visant à optimiser l’expérience consommateur. Si les années 2000 ont été l’époque des piliers (Bleach, Naruto, One Piece), on ne peut nier l’arrivée de nouveau monstre dans le domaine (Sword Art Online, My Hero, Re-Zero, pour ne citer que ceux-là).
Cependant, peut-on en dire autant pour le milieu musical ? Et surtout pour les styles dits « urbains » ?

« Le rap, c’était mieux avant ! »

Allégation que l’on entend bien trop souvent. J’avoue qu’il m’arrive de le dire. Mais décryptons les raisons de cette assertion. Si on prend le cas du rap et son évolution à travers le temps, entre les années 90 et maintenant, le net changement observé n’est ni la passion, ni le talent, mais le but. Je m’explique. Le rap de l’ancienne époque était le rap des revendications. Le rap pour exister. NTM, IAM, Booba, Passi, Ménélik, Sniper, Kery. Tous ces artistes avaient un dénominateur commun. L’envie d’exister telle une fleur perçant le bitume (notez l’utilisation volontaire de la comparaison à une fleur en toute connaissance du genre musical).
Si l’on peut se permettre de dire une chose, c’est que le rap de l’époque avait du sens. Pour les gens nés dans ces eaux-là, l’inclusion dans le mouvement allait avec un mode de vie. La vie en banlieue. Se sentir concerné par les sujets tout ça. Le rap était poésie. L’image de la plume remplacée par un stylo bic. Des propos acerbes, sur les vérités du monde. Un point de vue unique jusqu’alors rendu muet par le brouhaha de l’aristocratie. La voix de la rue. L’ironie des gens considérés comme moins lettrés jouant avec insolence de la langue de Molière.
Cette époque est l’époque des classiques. Les sons intemporels du rap français. Une époque que les plus jeunes n’ont pas connue. « 11’30 contre les lois racistes », « Le testament », « Ma définition »… la liste est sans fin en réalité. La pauvreté, les inégalités ainsi que l’insécurité sont étroitement liées à ce mouvement né de la souffrance. La grinta ! La banlieue qui rêve d’un beau et luxueux Paris.

La fin de la street cred

Il faut prendre conscience que plus l’évolution musicale, c’est une évolution de la culture qui a eu lieu. Une évolution du spectre des artistes. Ce changement contribue grandement à cette idée du rap qui était mieux avant. Sans mâcher nos mots, on peut clairement parler d’un sentiment d’appropriation culturelle. Cette idée flotte autour de beaucoup de rappeurs d’aujourd’hui. Plus besoin de street cred, plus besoin de vécu. Donc textes plus forcément liés à l’essence même de l’essor du mouvement. Logique que les OG sortis des quartiers n’adhèrent pas. Le rap c’était surtout du « pour nous, par nous ». Cela n’enlève en rien le talent de certains rappeurs d’aujourd’hui, peu importe l’endroit d’où ils viennent.

Si l’on doit noter un autre grand changement, c’est l’évolution de l’instrumental. Alors qu’aujourd’hui la tendance est à la trap et son focus sur de grosses basslines, le old school se reposait sur des intrus pleines de variations, de sonorités et de drums. Le mot d’ordre était la musicalité avant même d’entendre les lines des lyricistes. Et cela à son importance. On avait moins le sentiment d’écouter systématiquement la même prod. Une instru, c’était aussi une patte, une empreinte, une signature. Tout comme les clips. Des grands noms ce sont fait durant cet âge d’or. Des Chris Macari, Animalsons et autres !

Voilà pour ce « vision urbaine ». Pour le prochain on tâchera de décortiquer le vent nouveau de la jeune génération ! Même si on sait que certains balancent déjà des « Mais pour quoi faire ? Le rap c’était mieux avant, c’est tout ! ». En attendant, si vous n’avez pas lu le premier, c’est ici !

Et je vous laisse avec cette playlist The Kyu : Le rap c’était mieux avant !

Il ne fait plus l’ombre d’un demi-doute. La culture urbaine s’est complètement démocratisée. Les codes vestimentaires « street » ont été adoptés par une bonne partie des différentes castes de la vie de la capitale, par exemple. Les grandes marques de mode se sont adaptées et sont maintenant partie intégrante de cet univers, sous la déclinaison « urbain chic » et « rap caviar ». Le hip-hop culmine en tête des genres écoutés en France, selon les stats Spotify. « Wesh » (ou ouesh, ou encore ouech) est dans toutes les bouches de la jeunesse. Que ce dernier point soit perçu négativement, c’est un autre débat.
Pourtant, cette démocratisation initialement « positive » commence à laisser un goût amer.
Le partage de culture est l’un des plus grands succès de l’humanité. Bien que l’on ne soit plus vraiment dans une période de partage visiblement. Ce mélange ouvre de nouvelles portes et offre de nouvelles perspectives. Qui aurait cru dans les années 2000 que l’on aurait un jour des artistes posant flow de rap sur de l’électro ? Ou encore que l’on verrait du hip-hop country, à l’image de RMR ou Lil Nas X ?
La culture urbaine si longtemps décriée, pour son origine modeste des quartiers et banlieues à travers le monde, fait maintenant office d’institution. Rien de plus normal donc que tout le monde s’y mette.

À partir de cet établissement de faits, il faut se poser des questions sur le côté impartial du jugement.

Il est monnaie courante, aujourd’hui, d’entendre la critique quant à la qualité de la musique actuelle. L’argument « c’était mieux avant » est opposé à « c’est différent ». Pourtant, la critique est souvent ciblée. Elle vise la musique qui marche. Et que cela nous plaise ou non, les artistes qui ont le vent en poupe sont des produits « typés » street.
La question pour un autre débat serait : « L’industrie de la musique s’adapte-t-elle aux attentes de son public, ou ce public est-il éduqué par cette industrie ? ». Interrogation visant à comprendre le positionnement musical de ces dernières années.

Mais le sujet du jour est la partialité.
L’une des dernières polémiques du moment est, depuis un certain temps déjà, la quantité de sorties médiatiques visant à descendre Aya Nakamura. Potin le plus récent, la déclaration de Jérôme de Verdière (d’ailleurs ayant trouvé réponse de Sadek).

Aya est actuellement l’artiste française la plus écoutée à l’étranger. Depuis le début de sa carrière, elle fait tomber record sur record. Que l’on aime ou non, les chiffres ne mentent pas. Bien sûr, la liberté d’expression fait loi. Tout le monde peut donner son avis. Mais peut-être serait-il temps de le donner d’une meilleure manière. D’une manière impartiale. La réalité, c’est que la plupart des critiques envers Aya, Wejdene (oui, je la défends, mais sans pour autant l’écouter), Gims et autres artistes de cette scène francophone urbaine ne sont pas axées musique, et cache autre chose. La réalité, c’est que ce n’est pas tant la musique d’Aya qui dérange, mais soyons honnête, c’est Aya elle-même. Son personnage, son succès et ce qu’elle représente qui semble déranger. Car encore une fois, les chiffres sont sans équivoque. Et si certains veulent se défendre en argumentant du niveau musical, où étiez-vous durant les plus sombres années durant lesquels Mickael Youn, PZK, Passymal ou encore Charles-Vicomte sévissaient ?

Car, si oui, si le temps est passé, la cicatrice laissée par la médiocrité musicale affichée à une certaine époque est encore là. Et clairement, je m’en veux de redonner de la force à ces noms-là juste pour appuyer mon argument. On ne peut pas reprocher la médiocrité des uns, tout en fermant les yeux sur celle des autres.

Si l’on revient à la genèse de la musique urbaine, on retrouve une intention directe. Faire passer un message dans une lutte des classes. Faire entendre sa voix, étouffée dans les méandres de la précarité. Si l’on doit trouver un véritable affront, il est bel et bien là, dans ces années 2006-2015. Dans cette parodie d’un courant musical, à l’époque, en passe de réellement devenir lucratif.

En 2020, il serait peut-être temps de comprendre que la musique n’est pas uniquement affaire de paroles. Et si pour certains, c’est le cas, alors qu’ils jugent les artistes selon leur catégorie. Si Angèle fait treize millions d’écoutes mensuelles de moins qu’Aya Nakamura, c’est bien la preuve que la musique est plus complexe que ça. Et il ne faut pas mal le prendre.

Et surtout, n’oublions pas que l’art n’a pas de frontières.