La toile est en ébullition depuis l’annonce de la sortie prochaine de « Spider-Man: Across the Spider Verse (part one)« . Ce nouveau film d’animation promet (tout comme le premier) d’être une véritable révolution, avec son esthétique unique et sa narration novatrice.

Pour commencer, les fans peuvent s’attendre à un scénario captivant qui reprendra les aventures de Miles Morales, le jeune Spider-Man qui a été introduit dans le premier volet.

« Il a essayé de rentrer dans des chaussures bien grandes, » expliquent Philip Lord et Christopher Miller les auteurs/producteurs. « Il réalise que ce n’est pas facile de jongler entre famille et grandir dans le rôle d’un Spidey, et qu’on se sent seul quand on doit cacher la vérité sur soi-même au gens qu’on aime. »

Cette fois-ci, il sera rejoint par d’autres versions alternatives de Spider-Man, provenant de différents univers parallèles. Le film promet donc d’être une aventure multiverselle riche en rebondissements.

STAFF

Mais ce qui rend « Spider-Man: Across the Spider Verse » vraiment unique, c’est son équipe technique de haut vol. Les créateurs ont recruté certains des meilleurs talents de l’animation, notamment Joaquim Dos Santos (Avatar : le dernier maître de l’air), Kemp Powers (One Night in Miami) et Justin K. Thompson (Black Panther). Ensemble, ils ont travaillé sur des projets aussi variés que « Justice League Unlimited », « Avatar: The Last Airbender » ou encore « Soul ». Leur collaboration promet donc un mélange de styles et d’influences qui sera aussi riche que varié.

DISTRIBUTION

En ce qui concerne la distribution, les fans retrouveront Shameik Moore dans le rôle de Miles Morales, tandis que Hailee Steinfeld prêtera sa voix à Gwen Stacy. Jake Johnson, qui incarne Peter B. Parker, sera également de retour. Mais le casting sera élargi pour inclure de nouveaux personnages de Spider-Man, tels que Spider-Man 2099 et Spider-Man Noir, qui seront respectivement interprétés par Oscar Isaac et Nicolas Cage.

Le premier volet, « Spider-Man: Into the Spider Verse« , a été une véritable révélation pour l’industrie de l’animation. Il a remporté de nombreux prix prestigieux, dont l’Oscar du Meilleur Film d’Animation en 2019. Le film a été salué pour son esthétique novatrice, son scénario intelligent et ses personnages attachants. Il a également ouvert la voie à une nouvelle génération de super-héros, plus diversifiée et inclusive.

Avec son équipe technique de pointe, son casting de rêve et son scénario, ce film d’animation risque de marquer une nouvellefois le monde des super-héros au cinéma. Les fans de Spider-Man, de l’animation et de la pop culture en général ont donc toutes les raisons de se réjouir de cette sortie imminente.

En somme, « Spider-Man: Across the Spider Verse » promet d’être une suite aussi innovante (s’il est possible d’innover deux fois) que spectaculaire.

Spoiler ici

le vautour ?

L’un de mes plus gros regrets est de ne plus pouvoir fermer les yeux aussi intensément qu’avant lorsque j’écoute un morceau R&B.

Nous sommes tous d’accord, il n’y a rien de plus émouvant que les vibes qui intervenaient dans les anciens morceaux de ce style tant basé sur nos émotions et nos rêves. Bien loin des soirées assises au bord de notre lit à écouter Skyrock ou Ado, le R&B manque aujourd’hui d’émotions.

“It’s amazing how you knock me off my feet, hmm

Everytime you come around me I get weak, oh yeah

Nobody ever made me feel this way, oh

You kiss my lips and then you take my breath away”

Ces paroles qui résonnent si fortement dans ma tête me comblent d’émotions, emprunte de nostalgie et parfois navrantes. L’écho qui retentit lorsqu’on cite des noms tels que : Usher, Blackstreet, Joe, Boyz II Men ou encore hum hum *tousse* R…. Les sentiments décrits précédemment nous envahissent obligatoirement.

RACE MUSIC

Créé à une époque où le racisme fait encore partie des mœurs, le Rythm And Blues voit son genre naître dans les années 40. Issu d’un mélange entre le blues et le gospel, il a pour objectif, au départ, de briser les barrières sociales par le chant et des mélodies attendrissantes. C’est d’abord sous le nom de « Race Music » (musique de noirs), une musique métissée d’un tempo assez rythmé « Rythm » et des sonorités sacro-saintes pour le « Blues », qu’il apparaît.

On peut citer Louis Jordan et son live band Tympany Fives, en tant que fondateur de ce genre. D’après un livre de Billboard qui cite les Hall Of Fame du Blues, celui qui partage le même nom que le célèbre basketteur a été n° 1 du classement Billboard 18 fois, et y a passé 113 semaines au top du R&B Chart.

NEW JACK SWING: TEDDY RILEY

De longues années après la fondation du R&B, nous faisons un grand pont entre la race music et le new jack swing. Étant passé par le funk, la pop (on pense tous à la même personne bien sûr *Chamona hiiihiiii*), le Rythm and Blues retrouve de nouvelles couleurs. Ayant connu de grands groupes tels que The Isley Brothers, Rufus & Chaka Khan, Bootsy Collins, The Debarge, The New Edition et son artiste superstar Bobby Brown doublement endeuillé dans la perte de sa femme ainsi que sa fille. Ce dernier sera accompagné du fondateur de ce nouveau genre musical Teddy Riley, qui lui redonnera un second souffle. Méconnu du grand public en France, Teddy Riley est une pièce majeure de ce que l’on appelle le R&B.

Le New Jack Swing est le résultat d’un mélange entre hip-hop, funk et les bases du R&B. Ce nom lui est attribué grâce au journaliste de Village Voice et scénariste du film culte « New Jack City » Barry Michael Cooper dans un article de 1987. Le genre est porté par des artistes iconiques tels que le King of Pop, franchise player des Jackson 5 : Michael Jackson et son album Dangerous, sa cadette Janet Jackson, les Boyz II Men et bien sûr les deux groupes de Teddy Riley, Guy et Blackstreet.

R’n’B/R&B

La chemise ouverte, chantant sous la pluie, l’un des plus gros clichés du genre représentait l’un des fantasmes les plus assumés par le public féminin de l’époque. Elles qui attendaient (ou attendent encore parfois d’ailleurs), paisiblement le prince charmant, rêvant qu’un bel étalon puisse pousser sa voix en bas de la fenêtre (ahhh Disney quand tu nous tiens !). Cette image se construit principalement autour de celui qui est aujourd’hui détenu pour enlèvement et exploitation sexuelle de mineures. Il est d’ailleurs plus facile de prononcer le nom de Voldemort que le sien sous peine d’invoquer le courroux du monde entier. Rob crée plusieurs personnages autour de son nom.

Le street/attaché à la rue : « To The Homies That We Lost »/ » R&B Thug »

Le très chaud : « Sex Me »/ » Honey Love »

Le romantique : « A Woman Threat »… Il peut facilement parler de la rue de Chicago tout en chantant, comme faire un théâtre musical avec « Trapped In The Closet » ou encore freestyler en chantant accompagné de Tyrese. Versatility is key.

L’un des princes du R&B qui a suivi le New Jack Swing, n’est autre Usher (*echo* Usha Usha Usha) et son album « Confessions », symbole de l’excellence et l’impact qu’a le R&B dans les débuts des années 2000 (qui a dit « manque d’objectivité ? »). Ce nouveau R&B est plein de de confidences, d’émotions, de douleurs, mais avec un côté beaucoup plus urbains que les beaux nœuds papillon des Boyz II Men. La cassure se fera à l’arrivée de Breezy, celui que l’on considérera comme le nouveau Michael Jackson, son héritier. Qu’on le veuille ou non, dans sa sonorité on sent la touch Kell’s.

R&POP

Mais comme pour tout, le vent finit par tourner. Le genre, qui sort de ses plus belles heures, découvre une période sombre. Les têtes d’affiche, se tournent vers la Pop afin de toucher un public plus… mainstream. Ne-Yo, Chris Brown et j’en passe, se rapprochent des DJs tels que David Guetta ou autres, délaissant le genre musical les ayant lié à leurs fanbases. Les « On The Floorerie », comme dirait Steevy de Musicfeelings, font la fracture. Le détachement entre les artistes-là et leurs fans est visible.

L’ARRIVÉE DE LA TRAP

La polémique Chris Brown a comme jouée un tournant pour les chanteurs R&B. Bien qu’il ait réussi à plus ou moins garder une image de loveur, Breezy a perdu pas mal d’acheteurs(euses). Quand bien même il a su aligner de nombreux singles et hits, Chris Brown, a mélangé cette image de lover à un côté bad boy. Il enchaîne les bagarres pendant un moment (Frank Ocean, Drake etc…). Facilitant sa transition vers le rap (Album Fan Of Fan avec Tyga notamment). L’ex de Rihanna, n’est pas le seul à avoir joué un rôle sur la tournure du R&B.

On peut évidemment mentionner l’arrivée de la Trap. En provenance d’Atlanta et non Chicago n’en déplaise Chitown. Poussé par la légende vivante T.I, l’ayant fusionné au R&B, la Trap est un style musical, venant du Dirty South, qui a émergé au début des années 2000. Il est caractérisé par la forte utilisation du kick et d’une 808.

Connu pour son album, résultat de sa dépression, Bryson Tiller a su mixer ce mélange de style pour s’imposer en tant que tête d’affiche. Son album phare « TrapSoul » s’est vendu à plus de 2 millions d’exemplaires en seulement 2 ans. Difficile de ne pas citer Tory Lanez, ayant lui aussi su s’imposer sur la scène mondiale grâce à ce domaine.

Cela sonne aussi le retour d’anciens tels qu’Usher & consorts qui ont eux aussi essayé de suivre la tendance. On pense au titre « No Limit » qui résume bien ce qui vient d’être dit, pourtant bien loin, mais paradoxalement très proche de ce à quoi il nous avait habitué.

C’est peut-être d’ailleurs dû à cette évolution musicale, que nous nous sommes éloignés du R&B qui nous faisait tant frissonner. Ce style cher à beaucoup, qui nous caractérise tant, nous, qui souhaitons pouvoir chanter à tue-tête.

Cependant, il revient de plus en plus vers sa période du début des années 2000. Par le biais d’artistes tels que Summer Walker ou H.E.R souhaitant revenir à des sonorités et émotions beaucoup plus anciennes et soul que le R&B actuel. Petit à petit, on voit de plus en plus, les artistes R&B revenir dans le sentimental. Dans le beaucoup plus tendre. Ce que nous apprécions bien évidemment (impartial ?). On peut citer des artistes tels que Snoh Aalegra, Kehlani ou encore Teyana Taylor.

En espérant que ce retour aux sources puisse perdurer et remettre du baume à nos cœurs en manque de love chanté sous des trombes de pluie, débardeurs et durags de sorties !

M’Baku ou pas alors ?

2017, l’ancien monde, les gens vivent dans l’insouciance des gens qui n’ont aucune idée de ce qui va arriver quelques années plus tard. On profite, on vit et surtout, on attend Black Panther ! Film qui deviendra un temps la plus grosse entrée Marvel au Box-Office. Aux États-Unis, les Afro-Américains vont le voir en Dashiki. En Afrique, on se réunit dans les cinémas. En France aussi. Le film est un succès.

Mais malheureusement, comme vous le savez tous, la suite est devenue une histoire compliquée. En 2020, Chadwick Boseman, l’interprète du prince (Captain America : Civil War) puis roi T’Challa s’éteint après des années de lutte contre le cancer. Paix à son âme de guerrier !

Pour Disney et Marvel, les choses se corsent. Chadwick part après des prestations qui s’inscrivent dans l’histoire du cinéma de superhéros. Viennent alors plusieurs possibilités.

Le recast ? Mais le charisme de Chadwick rend cela compliqué.

Shuri, la relève ? Trop jeune. Pas assez installée dans l’univers et d’autres petits soucis lui barrent encore temporairement la route.

Le retour de Killmonger ? Bien que l’idée ait été séduisante et que les arguments ne manquent pas pour défendre l’idée, la projection d’un Erik Killmonger en véritable roi du Wakanda tient réellement du fantasme. Alors oui, il n’est pas mort à l’écran. Oui, sa popularité est incroyable, merci Michael Bakary Jordan (oui, pour ceux et celles qui ne savaient pas, le B tient pour Bakari), et oui son mindset tenait moins de l’utopie que celui de T’Challa. Mais voilà, le mec tue sans remord. Son plan après sa prise de pouvoir ne ressemble plus à rien et cette version est beaucoup plus américaine que certaines autres versions du wakandien.

ALORS QUI POUR REPRENDRE LE FLAMBEAU DE LA PANTHÈRE NOIRE ? M’BAKU !

Apparu pour la première fois en 1969 dans le Avengers #62, M’Baku fait, depuis sa première apparition, office de villain récurrent dans l’univers du Wakanda et la vie de T’Challa. Il meurt deux ou trois fois et trouve toujours le moyen de se faire ressusciter. Pourtant, ce n’est pas le M’Baku de cette temporalité qui apparaît à l’écran du MCU, mais un M’Baku bien loin de l’activité de supervillain.

Dans le MCU, le chef des Jabari a des revendications claires. Il descend de sa montagne afin de remettre dans l’ordre chez ses collègues du Wakanda. Il défie T’Challa dans les règles de la tradition. Et plus encore, quand les affaires chauffent pour le Black Panther, il le place sous sa protection et lui vient aide. M’Baku est le fier chef des Jabari. Il est vegan et a de l’humour. Son clan est intègre. Autant dire que sans son intervention, le Wakanda devenait le rêve de l’antagoniste Killmonger.

MAIS POURQUOI M’BAKU ET PAS W’KABI ?

On aurait pu se tourner vers W’kabi. Joué par Daniel Kaluuya, le « meilleur ami » de T’Challa était aussi entré dans la conversation, surtout avec son statut de compagnon de la général des Doja Milaje Okoye (Danai Gurira), pourtant, cette possibilité n’est pas très populaire. En effet, le conseiller royal, membre de la tribu de la Porte perd en engouement à cause de sa capacité à changer d’allégeance à l’annonce de l’évasion d’Ulysses Klaue. Et dans le cœur du public, trahir T’Challa, c’est se parjurer ! Il persiste et signe en rejoignant les rangs du fils de N’jobu, grillant automatiquement ses chances de porter le costume du Black Panther.

M’Baku fait partie de la résistance à l’arrivée de Thanos sur terre. Il est ensuite sollicité pour défendre la terre de nouveau contre Thanos dans Endgame, après avoir maintenu le Wakanda à flot durant l’absence du roi causée par le snap. M’Baku est chef de sa tribu. Il est déjà accoutumé à la responsabilité de tenir une société. Il a aussi conscience des choses. Quand on lui propose de manger le fruit qui octroie les pouvoirs du Black Panther pour aller combattre Killmonger, il refuse, car il sait que c’est à T’Challa d’accomplir sa destinée. Huuuumilité !

À la sortie du premier opus de la franchise, M’Baku, incarné par Winston Duke, fait fureur. De toute la partie américaine du cast, il est celui qui donne le plus le sentiment d’authenticité quant au caractère africain des personnages. Auprès de la gent féminine, résultat sans appel. On pourrait ressortir les tweets, mais ce serait indécent.

M’Baku est populaire, intègre et drôle. C’est aujourd’hui le personnage le plus à même d’apporter une douce transition entre le T’Challa de Chadwick Boseman et le grand plan de Marvel/Disney qui serait d’annoncer la naissance du fils de Nakia (Lupita Nyong’o) et du défunt monarque.

Wolfwalkers : Le petit bijou à côté duquel vous êtes probablement passés ! Après The Secret of Kells et Song of the sea, un troisième conte plein de magie !

Si Wolfwalkers ne vous parle pas, c’est probablement parce qu’en décembre 2020, tous les yeux étaient rivés sur Disney+ dans l’attente du tant attendu et très bon Soul. Pourtant, une autre perle a été droppée un peu avant, dans le silence total. C’est la production de Tomm Moore et Ross Stewart pour Cartoon Saloon et Melusine productions.

En Irlande et plus précisément, la ville de Kilkenny, l’autorité a interdit la présence de loups dans les environs. Robyn et son père (les Goodfellowe) s’y sont installés pour le travail de ce dernier. Celui de chasseur. Car qui dit forêt, dit loup, « donc » chasseur ! Vous connaissez le truc, interdiction pour les enfants de traîner dans la forêt. Donc rien de plus tentant pour Rob et c’est là qu’elle fera sa rencontre avec les Wolfwalkers !

Wolfwalkers, c’est un long métrage animé pour les petits et les grands. Une belle toile onirique, un déferlement de couleurs et de beauté. Une bande-son pertinente accompagne les belles images. On peut notamment y entendre la voix de la talentueuse Aurora ! L’œuvre est une magnifique composition.

Wolfwalkers, le fond

Du coup, mis à part la beauté visuelle envoûtante, ne vous en faites pas, le fond est à la hauteur. Le film réussit avec brio à partir du folklore irlandais pour traiter de sujet clairement d’actualité. La déforestation, la chasse, la vie en harmonie avec la faune ainsi que la flore (Oui clairement, on parle d’écologie), mais pas que ! Si ces thèmes font partie intégrante du récit, les deux thèmes qui pourraient aisément être laissés de côté sont la relation parent/enfant et le besoin de « fit in », autrement dit de s’intégrer.

Car le lien de confiance entre un parent et son en enfant est au cœur du film, comme vous pourrez le constater si vous vous lancez. Pour ce qui est de l’intégration, nous vivons dans un monde cosmopolite plein de gens qui refuse que le monde soit libre. Un monde dans lequel on juge d’abord l’autre pour sa différence. La notion d’appartenance dont il est fait mention dans le film est un parallèle à l’absurdité du mode de pensé qui dicte le monde depuis toujours (Ici, c’est chez nous, parce qu’on était là avant, donc on t’aime pas! nia nia nia).

Et bien sûr, mon préféré, l’implication de la religion dans la brutalité des méfaits d’une époque durant laquelle l’humain punissait aveuglément, guidé par la soi-disant voix divine. Vous sentez la petite pointe de haine ?

Dans Wolfwalkers, j’ai senti du Chihiro, mais aussi du Mononoke Hime, Brave (Rebelle), et sans vouloir vous faire peur, de La reine des neiges. Ne prenez pas la fuite les ennemis du « Let it go », c’est simplement dans le sens où un format à vocation plutôt enfant arrive à couvrir une large gamme de sujets très matures. Oui parce qu’avec La reine des neiges et Rebelle, Disney (et Pixar) avait tenté de s’attaquer au patriarcat, tout en déconstruisant l’image de l’amour homme-femme comme étant format unique et primordial pour la femme. Même si bon, dix ans de retard sur Ghibli en termes de morale hein ! Ce qui laisse tout de même au moins deux ou trois ans d’avance sur l’occident !

Alors, « où trouver Wolfwalkers ? » me demanderez-vous. Pour les kaizoku de GrandLine, je ne me fais pas de souci. Pour les autres, c’est un AppleTv original movie ! Je ne suis pas du tout adepte de la secte de la pomme, mais bon, si vous êtes comme moi, on vous conseille tout de même de passer outre ! Ça vaut le détour ! 

PS : Kaizoku et GrandLine ne vous disent rien ? Il est grand temps de lancer One Piece, chez vous !

UNE ADAPTATION DE LA VIE DU PREMIER SAMOURAÏ NOIR PAR NETFLIX

Depuis quelques mois maintenant,  le géant du Streaming souhaite concurrencer les plateformes spécialisées en proposant de gros titres. 

C’est ainsi que Netflix a annoncé sa nouvelle collaboration avec le studio MAPPA (jujustu kaisen, shingeki no kyojin) à travers un anime baptisé Yasuke.

Yasuke raconte l’histoire d’un samouraï d’origine africaine à l’époque féodale dans un Japon alternatif et fantastique dévasté par une guerre faite de robots et de magie. Ce plus grand rōnin que le monde ait connu essaie de mener une existence paisible jusqu’à ce qu’un village local devienne le théâtre d’un combat sanglant. Yasuke est obligé de reprendre du service pour sauver une enfant menacée par des forces maléfiques et va renouer avec sa légende qui en fait le premier samouraï africain.

un projet en de bonnes mains

Série d’animation en six épisodes créée par LeSean Thomas (The Boondocks, Cannon Busters) et chapeautée par le studio MAPPA (jujustu kaisen, shingeki no kyojin), le tout avec le soutien du célèbre directeur d’animation Takeshi Koike (Animatrix, Lupin III). La musique originale de Yasuke est signée Flying Lotus. Du côté du casting vocal (les seiyuu, pour les vrais), c’est l’acteur Lakeith Stanfield, star de la série Atlanta et des films Sorry To Bother You et Judas and the Black Messiah, qui prêtera sa voix au héros.

L’acteur afro-américain Chadwick Boseman était fortement pressenti pour lui donner vie dans les salles obscures.

HISTORIQUEMENT

Yasuke (彌介, Yasuke ?), aussi connu sous les noms de Kuro san (kuro signifiant noir) ou Kuro-suke, est le nom japonais d’un esclave africain ayant vécu au xvie siècle. On sait très peu de choses à propos de sa vie et la principale source le concernant est l’Histoire ecclésiastique du Japon écrite par François Solier. La légende veut qu’il soit devenu samouraï au Japon.

Ces dernières années, Yasuke est devenu très populaire. Comme le souligne le journal Jeune Afrique, « à l’heure où les fictions, depuis Black Panther, s’évertuent de plus en plus à écrire des histoires autour de Noirs puissants… mais imaginaires. Yasuke est suffisamment réel pour donner de la véracité historique au propos, et sa biographie comporte assez de zones d’ombre pour y associer des épisodes romanesques.

Le premier samurai étranger était donc noir (c’était pas Tom Cruise frère), Yasuke une omission historique (car écrite par les vainqueurs) qui inspire pourtant la pop culture depuis des décennies. Porte étendard du genre Afro-asiatique, ce personnage représente un pont culturel non négligeable. Il n’est pas déconnant de penser que le rayonnement de Yasuke a été inspirant dans le courant blaxploitation ou dans la conception de personnages iconiques tels que BLADE, AFROSAMURAI ou plus récemment Nagoriyuki (Guilty Gear -Strive-). En gros, sans ce mec, le black swordman qui transpire le badass par tous les pores n’existerait peut être pas. Ce qui aurait été fortement dommage car… *roulement de tambours*

Prévue pour le 29 avril sur Netflix, Chez the KYU on a hâte de voir cette nouvelle adaptation de la légende qui sera surement plus digeste que Blood of Zeus !

Avec l’acquisition des droits du prochain long métrage d’animation de Jamaal Bradley (PopWilly Productions), Steamroller Studios et PopWilly s’associent pour créer Master.

Olivia, autrefois prometteuse championne d’arts martiaux, est en voyage pour guider sa famille vers les promesses de ce qu’elle pense être une vie meilleure. En chemin, elle découvre que la vie qu’elle laisse derrière elle est celle pour laquelle elle devrait se battre. L’herbe a toujours l’air plus verte…

Après un film relatant l’histoire de la princesse Raiponce pour Disney, Jamaal Bradley a décidé de changer de registre. L’animateur vétéran est père d’une jeune fille et aspire à lui donner un nouveau modèle, une vision alternative de la féminité. Master est né de ce désir.

Jamaal Bradley, responsable de PopWilly Productions, est actuellement animateur principal chez Valve Software à Seattle après avoir été animateur superviseur chez DreamWorks Animation. Au cours de sa carrière de plus de deux décennies, il a été animateur principal sur des films nominés aux Oscars de Disney (Raiponce), DreamWorks (Le chat Potté, Les Croods, Les Croods 2. Les pingouins de Madagascar, Kung Fu Panda 3, Boss Baby) et Sony Pictures Imageworks (Surf’s Up, Monster House).

Pour mettre en œuvre l’idée de Master, Bradley a contacté son ancien collègue Jalil Sadool, co-fondateur et PDG de Steamroller. Le studio est spécialisé dans l’animation Gaming (Fortnite), mais s’est récemment diversifié dans les originaux, notamment avec son court-métrage Spice Frontier. Enthousiasmé par le projet, Steamroller a acheté la Propriété intellectuelle de Bradley.

Le trailer donne très clairement le ton du film. Outre les références gaming, films de superhéros et arts martiaux concentrés dans l’inspiration, le projet porte également l’empreinte visuelle de Spider-Verse, l’influence se ressent dans les effets 2D, l’animation en deux et l’absence de flou de mouvement.

Peter Ramsey (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Rise of the Guardians) est officiellement nommé producteur exécutif du film.

La date de sortie officielle de Master n’a pas encore été annoncée.

Chez the KYU, on trouve les premières images prometteuses et on a hâte de voir ce que ça donnera ! Avec l’annonce du studio sur l’univers Avatar, ça prépare de belles choses !

Un cocktail qui touche le corps, le cœur et l’âme

Pour le troisième épisode de 180 d’Audemars Piguet, intitulé « Paradise », les réalisateurs parisiens Original Kids proposent un rendu cinématographique immersif de la rencontre artistique croisée de Tshegue, Jeanne Added et Les Twins. Le duo de jeunes producteurs, spécialisé dans les vidéoclips, a collaboré avec une variété d’artistes « plus ou moins connus » tels qu’Orelsan, Oxmo Puccino, PLK, Georgio et Therapie Taxi.

L’épisode associe la technologie analogique ainsi que la production de scènes virtuelles de pointe en écho au mélange entre tradition et modernité d’Audemars Piguet. En dévoilant les différents processus créatifs des artistes filmés en temps réel avec des environnements 3D interactifs sur des murs LED, Original Kids crée une atmosphère onirique débordante d’émotions pendant que les artistes partagent leur univers respectif et créent ensemble.

Paradise suit la rencontre musicale de Jeanne Added et du duo d’artistes Tshegue. Auteure-compositrice, chanteuse et bassiste, Jeanne Added a fait ses débuts internationaux en 2015 avec la sortie de son premier album Be Sensational — sur lequel elle pose sa voix sur une ambiance électro-rock et post-punk. Son deuxième Album Radiate (2018) est nominé aux Victoires de la musique dans les catégories « Artistes Féminins » et « Album Rock ». Son dernier EP Air (2020) poursuit son expérimentation artistique.

Le duo parisien Tshegue, composé de Nicolas Dacunha et Faty Sy Savanet, trouve ses racines dans la musique tribale africaine et le garage rock. Leur premier EP Survivor sorti en 2017 refuse la catégorisation. Rythmes épileptiques, percussions saccadées et punchlines, leurs compositions représentent l’étreinte de l’ambiguïté et le mariage des cultures.

Jeanne Added et Tshegue, qui n’avaient jamais collaboré auparavant, ont eu trois jours et carte blanche pour créer et enregistrer ensemble une bande originale. Le résultat ? Une rencontre intrigante de deux univers dans lequel rythmes électro, percussions et musique douce, paroles poétiques et punchlines en anglais et en lingala se rencontrent en parfaitement.

« Moyi eza moto »

Tshegue

Paradise prend également vie à travers le freestyle des Twins propulsés dans cet univers éclectique. Laurent et Larry Bourgeois, alias Les Twins, sont des danseurs, chorégraphes, acteurs, mannequins et producteurs français qui ont récemment ajouté une carrière musicale à leur CV déjà bien long (virtuosisme !). Leur style de danse hip-hop a attiré l’attention de nombreux artistes et marques à travers le monde.

Les Twins ajoutent une dimension supplémentaire à la composition musicale de Jeanne Added et Tshegue la rendant encore plus immersive.

« La musique est une question. Le corps est la réponse.« 

Les twins

Audemars Piguet

“Born in Le Brassus, raised around the world”

Fondée en 1875 par Jules-Louis Audemars et Edward-Auguste Piguet, est une manufacture d’horlogerie suisse, installée au Brassus dans la vallée de Joux.

180

Composée de cinq épisodes, chacun produit par un réalisateur différent, la minisérie 180 retrace l’extraordinaire défi lancé par Audemars Piguet à cinq groupes d’artistes musicaux prometteurs. Leur mission les a poussés à sortir de leur zone de confort pour créer une bande-son collaborative originale mêlant différents univers créatifs. Découvrez leur expérience.

The kyu a apprécié la dégustation. Paradise est une composition sonore, un visuel immersif et des paroles se fondant progressivement en un tout harmonieux.

Un cocktail qui touche le corps, le cœur et l’âme (Avatar state). Et différemment de la prestation de Murmuration de Sadeck Berrabah.

En conclusion « moyi eza moto » (le soleil est ardent) ce serait bête de se brûler, mais on ne peut s’empêcher de contempler.

Amalgame entre musicalité et graphisme

Le projet MURMURATION de Sadeck BERRABAH est le support parfait pour parler d’une forme d’art que nous n’avons jusque là pas encore évoquée ici. À la croisée de la musique et du mouvement, la danse peut couvrir un bien large spectre et Murmuration serait le parfait vaisseau pour en commencer l’exploration.

MURMURATION

Un autre point de vue.

La réflexion vient apporter une dimension symétrique, comme une étendue d’eau calme contemplant le spectacle d’un autre point de vue, en venant y ajouter une dimension supplémentaire, une extension de l’image.

via MURMURATION | projet 64

Il y a de la magie partout, le tout est de savoir regarder, savoir voir et écouter en silence, telle une nuée d’oiseaux formant des vagues dans le ciel, chaque individu a sa propre identité, mais une place irremplaçable dans un tout.

via @sadeckwaff

Chorégraphe : BERRABAH Sadeck (Sadeck waff)
Instagram : https://www.instagram.com/sadeckwaff​
Facebook : @sadeck 

Danseurs : Studio Attitude (Bordeaux) 
Instagram : https://www.instagram.com/studio.attitude 
Facebook : @StudioAttitude  
YouTube : Studio Attitude 

Musique : BERRABAH Adel (T-rex prod)
Instagram : https://www.instagram.com/trex_music9​ 
Facebook : @AdelT-RexProd 
YouTube : T-Rex Prod 

Caméra : Mopi Park 
Instagram : https://www.instagram.com/Mopipark​  
Facebook : @mopipark 
YouTube : Mopi Park

Sadeck BERRABAH

TUTTING

Le style de danse (branche HIP-HOP) mis en avant dans le projet est le « tutting ». Né dans les années 90, le tutting est un style de danse (Street/de rue) basé sur des mouvements angulaires censés styliser les poses vues dans l’art de l’Égypte ancienne, et se réfère au « King Tut ».

Magnifique, tout simplement ! En étant purement objectif le médium, à savoir le corps/l’individualité, sert totalement le propos le tout. C’est une démonstration à la fois technique, émotionnelle et graphique que nous sert MURMURATION.

Chez the KYU, nous saluons la prestation offerte pas le chef d’orchestre Sadeck et toute son équipe.

Malcolm and Marie est le paisible récit d’un violent amour réalisé par Sam Levinson et distribué par Netflix. Deux acteurs, une maison, noir et blanc (pour le propos et non le plaisir). Zendaya et John David Washington délivrent différentes facettes de l’amour en couple. Si beaucoup ont qualifié cet original Netflix de simple déferlement de violence, il est clair que le film peut être perçu de manière totalement différente. C’est un concentré d’émotions, de vérité, de brutalité, mais aussi de douceur entre deux personnes liées par un passionnel attachement.

L’amour est simple, c’est nous qui le rendons compliqué.

Malcolm est un auteur, réalisateur noir américain prometteur, Marie sa compagne et muse, quant à elle est une ancienne droguée aux carrières d’actrice et modèle un peu à l’arrêt.

Se crachant acerbes vérités entrecoupées de douceurs sur fond de silence et d’une bande-son jazzy, les deux acteurs incarnent avec réalisme et cohérence la variabilité des émotions humaines lorsque l’on apporte des problèmes personnels dans la sphère amoureuse.

Talentueux aux tendances de pervers narcissique, sa parole est vérité. Du moins pour lui. Malcolm est cet artiste persuadé de la légitimité de son œuvre. Éduqué à faire le bien, cela le pousse à s’ériger en sauveur, alors même que sa notion du bien est corrompue par le prisme de sa vision de la vie. Il a fait de Marie sa chose. Convaincu de savoir ce qui est bon pour elle parce qu’il voit la scène de manière détachée, le filmmaker est fortement orienté par l’arrogance de l’idée de sa supériorité.

Dans la théorie, il fait son travail motivé par son amour par l’art, mais dans les actes, il attend les reviews concernant son film avec impatience. S’il n’a pas conscience de sa quête de reconnaissance et de ne pas être plus que ce qu’il est réellement, Marie n’hésite pas à le lui dire à plusieurs reprises, tout en sachant ce que cela engendrera. Inutile de dire qu’il est manipulateur et calculateur, malgré tout, il aime Marie. À sa façon.

Si l’amour et la haine sont deux faces d’une même pièce, il est logique que Malcolm puisse se montrer successivement d’une extrême douceur, comme d’une incroyable cruauté envers sa compagne. Mais parce que dans sa vie son estime de lui-même prend le pas sur tout, il la prend pour acquise sans se rendre compte de sa propre dépendance.

« Et si je n’étais pas sa grande histoire ? » – Malcolm and Marie

Mais Marie est une ancienne droguée qui s’en est sortie, son charisme illustre sa force. Pourtant, elle reste humaine. Avec des qualités et bien évidemment des défauts. Bien que la martelant de questions afin de savoir ce qui pourrait la tracasser, Marie refuse de s’exprimer. Pas par peur de la réaction de Malcolm, mais parce qu’elle n’est pas sûre de vouloir entendre les réponses qu’il apportera. Comme lui, elle est victime de ses insécurités. Comme lui, elle sait où frapper pour faire mal.

Mais si elle le critique lui, elle se pose aussi en critique artistique. Et c’est ce qui les différencie finalement. Vis-à-vis de lui, elle ne fait jamais preuve de condescendance. Consciente de la jalousie qui la ronge, elle ne recherche pas le regard de tous, mais seulement le sien. Marie et tous ses défauts restent la plus belle partie de Malcolm. Je ne dirais pas qu’elle veut son attention par fierté, mais plutôt par affection. Visionnaire là où son amant ne semble pas l’être. Elle et lui contre le reste du monde.

Il faut avoir conscience que du fait de leur différence, et parce qu’ils s’aiment, leur communication ne se fait pas dans la facilité. Pour ma part, je dirais même qu’ils ne parlent pas le même langage, mais cela ne les empêche pas d’avoir besoin l’un de l’autre. Certains diront que c’est toxique, mais la réalité c’est «  qu’en savons-nous ? ». Ce qui est amusant (ou pas), c’est que la toxicité de leur relation soit pointée du doigts à l’époque des films sur le kidnapping et l’amour qui découle du syndrome de Stockholm. Malcolm et Marie nous offrent une soirée dans l’intimité de leur couple pour assister à une mise au diapason, alternative à la séparation pure et dure.

Ce couple, c’est un peu tout le monde aujourd’hui, et c’est pour ça qu’il est aisé de se projeter. Nous sommes témoins de problèmes que nous avons potentiellement vécus. C’est ce qui en fait à mon sens un très bon film. Plat, mais bon. Facilement appréciable grâce à ses dialogues pertinents. Le casting est juste. Graphiquement, c’est joli. J’adore l’idée de ce noir et blanc pour insuffler une ambiance à l’ancienne avec paradoxalement des plans focus sur les smartphones. Tout comme j’adore la simplicité des changements de pièce ou de séquence. Une belle sortie à l’occasion du Black History Month !

Un autre point intéressant abordé est l’appropriation. Peut-on transmettre avec précision les émotions que l‘on n’a pas vécues ? Car il est clairement question de ça. En tant qu’homme Malcolm peut-il réellement revendiquer le succès de son film retraçant la vie d’une femme ? Et pour aller plus loin, peut-on accepter une œuvre complètement fictive ou non parce que son auteur n’a jamais connu ce qu’il montre ?

Après être devenu un personnage de jeu vidéo (merci Cyberpunk), Keanu Reeves devient cette année un guerrier immortel pour les besoins d’une bande dessinée. Intitulé BRZRKR, ce comics a été écrit par la star de John Wick lui même et de Matrix, avec la collaboration de Matt Kindt (scénario) et Ron Garney (dessin).

SO…

La bande dessinée suit un guerrier immortel, connu sous le nom de Berzerker, alors qu’il se fraye un chemin à travers les âges. C’est comme Duncan Macleod, mais incarné par l’élu. Highlander pour les plus jeunes !

Une entité transmedia

Keanu Reeves prête donc ses traits au héros de cette histoire. Après avoir traversé les âges, le demi-dieu Berzerker est embauché par le gouvernement américain pour mener des missions considérées trop dangereuses pour les mortels. En échange, Berzerker pourra découvrir le mystère de ses origines. Non non, ce n’est pas le pitch de The Old Guard avec sa grande pote Charlize.

Un role sur mesure pour un acteur qui aura marqué les annnées 90, 2000 et maintenant 2021 et ce sur multi support.

La publication a commencé le 7 octobre dernier aux États-Unis. Et Boom! ayant un deal avec Netflix, il ne serait pas étonnant de voir un film ou une série dans quelque temps… En tout cas Keanu Reeves semble très motivé pour jouer le rôle du guerrier (tu m’étonnes, en même temps il a l’habitude de casser des bouches).

BRZRKR est disponible en précommande. Une couverture ultra limitée et signée par Keanu Reeves est également disponible : https://www.pulps.fr/?v=preorders

Un GO! magistrale ! Une mini série à ne rater sous aucun prétexte pour les fans de l’acteur et même culturellement pour ce projet kickstarté (à l’origine ) pour non moins qu’ 1,4 millions de dollars.

Chez The Kyu, on est heureux de pouvoir revoir notre ange de la mort préféré, membre de l’Akatsuki et du Joestar.

Spoiler ici

Aujourd’hui, plus que jamais, voyager s’avère très compliqué. Avec le prix élevé des billets d’avion et des hôtels, les conditions sanitaires et plus récemment le confinement, tout porte à croire que nous ne pourrons pas voir du paysage avant longtemps. Et si le jeu vidéo pouvait être une alternative ? Voici selon moi, une liste des meilleurs jeux faisant voyager !

1.Assassin’s Creed : Un musée ludique

Votre truc à vous lors de vos voyages, c’est de visiter tous les musées et centres culturels de la ville ? Observer et analyser les monuments afin d’avoir une multitude d’informations sur l’Histoire de l’endroit que vous découvrez ? Puis ensuite revenir conter auprès de vos proches tout ce que vous avez appris tel un puit de sciences ?

Et bien la série Assassin’s Creed est faite pour vous ! Ezio, Altaïr ou encore Connor seront vos guides lors de ces voyages culturels sur les événements du passé de notre civilisation. Révolution américaine, Pyramide de Louxor, mythologie et Parthénon ou plus récemment ère des Vikings, tous ces événements et monuments faisant aujourd’hui partie de notre pop culture sont narrés et présents au sein de chaque jeu de la licence.

Personnellement, je vous conseille fortement Assassin’s Creed Odyssey, sorti en 2018, il reprend tous les codes de la saga et offre à travers un vaste Open world (monde ouvert en Français) des paysages grecs aux graphismes sublimes !

2.Grand Theft Auto (GTA 5) : California Dreaming

Ah, la Californie ! Un eldorado de liberté et de possibilités. Ne vous êtes-vous jamais imaginé vous balader en ville au volant d’une Corvette flambant neuve sous les palmiers de Malibu ?

C’est bel et bien ce que vous retrouverez en jouant à GTA 5 avec une manette en main et votre cocktail dans l’autre !

Pas question ici d’ouvrir un bouquin et de regarder quel monument de la côte ouest correspond à quel événement historique. Ici, pas de chichis, le seul musée que l’on observe c’est bel et bien celui de certaines composantes de notre société actuelle. Faste, décadent et prônant la liberté avant tout, vous embrassez la douce vie d’un criminel en voie de devenir un baron de la pègre.

En plus de voyager dans tout Los Angeles, vous pourrez vivre la vie d’un Tony Montana ou d’un Brad Pitt dans Ocean’s Eleven préparant le casse du siècle, ça claque non ?
Et quoi de mieux pour assouvir ce fantasme que de le reproduire à l’écran sans heurter autrui. LE bon plan voyage de la saison !

3.Death Stranding : Une randonnée onirique en Islande

Par les temps qui courent, une randonnée relaxante et lente, tout en entendant la nature dans les fjords qui nous rassurent au sein d’un monde isolé de civilisation amènerait de la sérénité et nous ferait le plus grand bien. Alors on se pose, on souffle et on respire…

Ça y’est le calme est revenu ? Death Stranding fait partie de ces jeux que l’on ne saurait catégoriser. C’est là toute la magie des œuvres de son créateur Japonais Hideo Kojima. Après nous avoir fourni l’une des meilleures sagas d’action vidéoludique (Metal Gear), il nous revient avec un simulateur de… livraison.

Alors oui comme ça de prime abord livrer des colis ça ne sonne pas très « vacances » et pourtant… Il s’agit là d’effectuer un voyage autant intérieur qu’extérieur et être la seule note d’espoir dans un monde où la nature reprend doucement vie, presque palpable. Ça fait un peu penser à notre situation de confinement n’est-ce pas ? À la seule exception que si en franchissant le palier de mon appartement de cinq étages je vois ce qu’il y a dans ce jeu qui est une ode à la nature à la place des poubelles des voisins et du bitume alors je signe tout de suite ! Et vous ?

4.Final Fantasy XV : Roadtrip entre amis

Qui n’a jamais rêvé de voyager librement à bord d’une voiture décapotable sur la Route 66, cheveux au vent, entre potes et faire des barbecues improvisés sur le bord d’un canyon avec une vue imprenable sur un paysage sans fin ?

Je sais que vous vous y voyez déjà ! Final Fantasy XV gagne le pari de vous plonger dans un Open world dans lequel vous pourrez parcourir toutes les contrées inexplorées que le jeu vous offre. Venise, Islande, Japon, Nouvelle-Zélande sont autant d’inspirations sur lesquels les créateurs se sont basés pour vous offrir une expérience de jeu hors du commun.

En plus vous prenez le contrôle d’un jeune Prince (portant du Louis Vuitton… True Story !) dans la fleur de l’âge aussi beau gosse que mystérieux accompagné par trois amis ne manquant pas de vie… Le tout sur un fond de « Stand by me » revisité par Florence and the Machines. Je dis oui !

5.World of Warcraft : A la quête de rencontres

Parcourir des plaines enneigées, des volcans et des cavernes sinueuses avec des acolytes fraîchement rencontrés dans le but de rechercher des trésors ou encore apprécier la vue d’un panorama saisissant en haut d’une colline, c’est la promesse de World of Warcraft (ou WoW).

Il s’agit d’un MMORPG (Massive Multiplayer Online Role-Playing Game). Un nom barbare pour désigner un genre de jeu qui… peut aussi l’être ! Cependant, il serait très réducteur de le catégoriser uniquement de la sorte. Ce jeu de rôle en ligne, comme on aime le nommer, a vu le jour grâce à l’essor d’internet, car oui, il faut être connecté pour jouer.

Arpenter les contrées de ce jeu pourrait changer votre vie. Vous vous retrouvez lancé dans un lieu où seule votre imagination est la limite. Bien sûr, des « quêtes » (missions en jeu) et des récompenses vous sont proposées, mais si vous le désirez, vous pouvez vous en affranchir et juste parcourir ces terres mystérieuses s’offrant à vous.

Sur votre chemin, vous aurez l’occasion de rencontrer des personnes… Réelles ! Oui oui, des personnes comme vous et moi ! Certes, avec les traits d’un avatar ressemblant à un Orc (mélange d’ogre et d’humain) ou à un humain un peu lourdaud, mais quelle sensation ! Personnellement, outre des aventures extraordinaires sur fond de voyage initiatique, j’ai pu connaître en jeu de nouveaux amis avec lesquels je suis toujours en contact aujourd’hui ! Make Love not War!

Selon une étude internationale Booking de 2020, 61 % des voyageurs déclarent vouloir profiter de magnifiques paysages en prenant leur temps. Nous pouvons retrouver ce sentiment dans le jeu vidéo :

• Procuration d’une sensation d’extrême liberté due au fait de vivre un moment unique dans des lieux uniques.
• Un lot d’interactions sociales, composante de beaucoup de voyages
• Des règles propres à certains jeux équivalent à des coutumes culturelles
• L’adage : « Ce n’est pas la destination qui compte, mais le chemin pour y arriver » applicable au jeu vidéo

De plus, d’après le cabinet NewZoo (agence spécialisée dans les statistiques de jeux vidéo) d’ici 2023 nous serons plus de 3 milliards de joueurs réguliers dans le monde, soit 39 % de la population globale, rien que ça !

Pour conclure, je tiens à préciser que ce top est subjectif et non exhaustif. Ces jeux appartenant chacun à des catégories distinctes sont, selon moi et ma propre expérience, intéressants à essayer, quel que soit le support (console, PC, mobile…).

Ils m’ont réellement permis de voyager à travers leurs histoires, leurs images et leurs messages véhiculés. Hormis les prouesses techniques des développeurs et des artistes ayant magnifié le contenu visuel, derrière ces œuvres se trouvent des personnes comme vous et moi qui nous partagent une petite partie de leurs idées, de leurs expériences et de leur vécu. Bien sûr, cela ne remplace pas le fait de voyager et vivre ses propres aventures dans le monde réel, d’ailleurs je vous recommande vivement de découvrir du pays quand vous le pouvez !

Cependant, pouvoir, de cette manière, apprendre, s’amuser et s’émerveiller, c’est aussi cela selon moi « Voyager ».

Et vous, qu’en pensez-vous ? D’autres jeux vous ont déjà fait voyager ?

Ce 21 novembre, sortait le premier épisode d’un animé assez original, Onyx Equinox, créé par Sofia Alexander, originaire du Mexique. C’est son premier projet diffusé sur Crunchyroll et réalisé par Crunchyroll Studio Production. Prenant pour base géographique et historique la Méso-Amérique, le cœur du récit s’articule autour d’une guerre livrée entre deux factions de dieux.

Deux factions

D’un côté, les dieux attachés aux traditions, adeptes de prières à base de sacrifice humain. De l’autre, les dieux des enfers. Ces derniers sacrifient directement les humains durant des raids dans les villages afin de faire d’abondantes récoltes de sang. Car le nœud du conflit est la pénurie de sang : « il n’y en a pas assez pour tous les dieux et les attaques des dieux belliqueux amplifient cette pénurie ». Les dieux traditionalistes trouvent une solution. Empêcher le retour des dieux infernaux en refermant les cinq portes des enfers pour leur fermer le robinet. Pouvant le faire par eux-mêmes, mais étant aussi très joueurs, il est alors décidé d’utiliser de choisir un champion humain pour s’affairer à la tâche.

Le pitch et assez classique ! Le contexte dans lequel se déroule l’histoire est assez original. Onyx Equinox, mais en scène les civilisations très (trop) peu visibles les Aztèques en l’occurrence. Ayant un panthéon de dieux assez conséquent, entourés de coutumes sanglantes comme les sacrifices humains, on est devant quelques arguments qui peuvent donner de bonnes surprises.

Côté chara design, rien de bien transcendant, on ressent l’inspiration animation japonaise qui a influencé Sofia dans sa jeunesse. Niveau animation on est dans la moyenne. Pas encore de sakuga briseur de rétine, mais on reste dans le bon nombre d’images par seconde (contrairement à Blood of Zeus). Par contre, c’est sanglant et violent, le sang coule a flots. On est donc devant un premier épisode qui installe les différents enjeux, en attendant la suite.

Les épisodes sortent en simulcast, tous les samedis à 10 h sur Crunchyroll.